Berühmte Künstlerinnen, Malerinnen & Bildhauerinnen

Renaissance und Barock: Malerinnen zwischen Hof und Werkstatt

Sofonisba Anguissola malte psychologisch nuancierte Porträts und Familiengruppen. 1559 berief Philipp II. sie als Porträtmalerin an den spanischen Hof. Frauen durften damals kein Aktstudium absolvieren. Artemisia Gentileschi stellte biblische Heldinnen wie Judith und Susanna ins Zentrum ihrer Historienbilder. 1616 wurde sie als erste Frau in die Accademia delle Arti del Disegno in Florenz aufgenommen. Maria Sibylla Merian verband Kunst und Naturforschung. 1699 reiste sie mit ihrer Tochter nach Surinam und dokumentierte die Metamorphosen von Insekten in Aquarellen. Élisabeth Vigée Le Brun schuf einfühlsame Porträts des Adels. 1783 wurde sie auf Drängen Marie Antoinettes in die Académie royale aufgenommen. Ihre Schülerin Marie-Gabrielle Capet spezialisierte sich auf Miniaturporträts und stellte ab 1781 regelmäßig im Pariser Salon aus.

Impressionistinnen und Malerinnen des 19. Jahrhunderts

Berthe Morisot malte häusliche Szenen, Gärten und Frauenfiguren in lockerem Pinselstrich. 1874 stellte sie bei der ersten Impressionisten-Ausstellung aus. Mary Cassatt zeigte Mütter und Kinder in Alltagsszenen. 1877 schloss sie sich auf Einladung von Degas den Impressionisten an und war die einzige Amerikanerin in der Gruppe. Rosa Bonheur malte Pferde, Rinder und ländliche Szenen. 1865 erhielt sie die Ehrenlegion und 1887 verkaufte sie „The Horse Fair“ für 53.000 Dollar an das Metropolitan Museum. Suzanne Valadon war zunächst Modell für Renoir und Toulouse-Lautrec. Ab 1894 stellte sie eigene Akte, Stillleben und Porträts aus. Ihr Stil war kräftig konturiert und deutlich vom Impressionismus abweichend.

Expressionistinnen und Frauen im Expressionismus

Paula Modersohn-Becker reiste mehrfach nach Paris und studierte Cézanne. 1906 malte sie den ersten bekannten weiblichen Selbstakt. Gabriele Münter reduzierte Landschaften auf Farbflächen und gründete 1911 mit Kandinsky, Marc und Macke den Blauen Reiter. Während der NS-Zeit versteckte sie über 80 Werke Kandinskys in ihrem Haus. Marianne von Werefkin malte symbolistische Landschaften in glühenden Farben. Ab 1897 führte sie einen Salon in München, in dem sich die Kerngruppe des Blauen Reiters formierte. Käthe Kollwitz hielt Krieg, Hunger und Trauer in Holzschnitten, Lithografien und Skulpturen fest. 1919 wurde sie als erste Frau in die Preußische Akademie der Künste aufgenommen.

Abstrakte Künstlerinnen und Pionierinnen der Moderne

Hilma af Klint malte ab 1906 großformatige, spirituell motivierte Kompositionen mit Spiralen, Kreisen und biomorphen Formen. Kandinskys erstes abstraktes Aquarell entstand frühestens 1910. Af Klint verfügte, dass ihre Werke erst 20 Jahre nach ihrem Tod gezeigt werden durften. Die erste große Retrospektive fand 2018 im Guggenheim statt. Sonia Delaunay entwickelte Farbkreise und rhythmische Muster. 1964 erhielt sie als erste lebende Künstlerin eine Retrospektive im Louvre. Zudem entwarf sie Textilien, Möbel und Bühnenbilder. Helen Frankenthaler entwickelte 1952 die Soak-stain-Technik, bei der verdünnte Farbe direkt in ungrundierte Leinwand zieht. So entstehen durchscheinende Farbfelder. Sophie Taeuber-Arp verband geometrische Abstraktion mit Architektur und angewandter Kunst. 1927 gestaltete sie Innenräume des Straßburger Vergnügungslokals Aubette und entwarf Marionetten, Reliefs und Textilien.

Surrealistische Malerinnen und Surrealistinnen

Frida Kahlo verarbeitete in farbintensiven Selbstporträts körperlichen Schmerz, mexikanische Identität und politische Überzeugung. Zwischen 1925 und 1954 malte sie rund 143 Bilder. 2021 wurde „Diego y yo“ zur teuersten lateinamerikanischen Künstlerin auf dem Auktionsmarkt. Leonora Carrington schuf Traumlandschaften aus keltischen Mythen, Alchemie und Tiergestalten. 1942 floh sie nach Mexiko-Stadt und malte dort bis 2011. Remedios Varo malte detailreiche Szenerien, in denen Alchemistinnen, Wissenschaftlerinnen und Mystikerinnen mechanische Welten bewohnen. Ab 1955 stellte sie regelmäßig in Mexiko-Stadt aus. Dorothea Tanning malte zunächst erotische Interieurs mit aufgebrochenen Türen und metamorphischen Figuren. In den 1960er-Jahren löste sie sich vom figurativen Surrealismus und arbeitete bis 2012.

Bildhauerinnen und zeitgenössische Bildhauerinnen

Camille Claudel schuf emotionale Figurengruppen aus Marmor und Bronze. Ab 1884 arbeitete sie in Rodins Atelier. Mehrere Werke wurden lange ihm zugeschrieben. 1913 ließ ihre Familie sie in eine psychiatrische Anstalt einweisen. Sie blieb dort 30 Jahre bis zu ihrem Tod. Barbara Hepworth formte durchbohrte, glatt polierte Formen aus Holz, Stein und Bronze. Sie vertrat 1950 Großbritannien auf der Biennale von Venedig. Louise Bourgeois machte Trauma, Sexualität und Erinnerung zum Material raumgreifender Installationen. 1999 stellte sie die neun Meter hohe Bronze-Spinne „Maman“ erstmals in der Tate Modern aus. Eva Hesse formte aus Latex, Fiberglas und Seilen fragile Skulpturen zwischen Minimal Art und Absurdität und starb 1970 mit 34 Jahren.

Niki de Saint Phalle schuf ab 1965 bunt bemalte Nana-Figuren. Zusammen mit Jean Tinguely gestaltete sie den Strawinsky-Brunnen am Centre Pompidou in Paris. Rachel Whiteread gießt Negativräume von Alltagsobjekten in Beton und Gips. 1993 gewann sie als erste Frau den Turner Prize. Phyllida Barlow baute aus Sperrholz, Stoff und Beton bewusst provisorische Installationen und erhielt 2017 den Auftrag für den britischen Pavillon in Venedig. Kiki Smith arbeitet mit Wachs, Bronze und Papier, um den menschlichen Körper verletzlich zu zeigen. Magdalena Abakanowicz webte aus Sisal und Jute kopflose, menschengroße Figuren. Augusta Savage porträtierte afroamerikanisches Leben. 1929 wurde sie in die National Association of Women Painters and Sculptors aufgenommen. Ab 1937 leitete sie das Harlem Community Art Center.

Bauhaus-Frauen und Textilkünstlerinnen

Am Bauhaus waren 1919 ein Drittel der Studierenden Frauen. Doch der Meisterrat drängte sie ab 1920 in die Webereiwerkstatt. Anni Albers entwickelte dort Wandbehänge, die als autonome abstrakte Kompositionen funktionierten. 1949 erhielt sie als erste Textilkünstlerin eine Einzelausstellung im Museum of Modern Art. Sophie Taeuber-Arp unterrichtete ab 1916 an der Kunstgewerbeschule Zürich. Sie gehörte zur Dada-Bewegung und verband geometrische Muster in Textilien, Marionetten und Reliefs. Sheila Hicks studierte bei Josef Albers in Yale. Seit den 1950er-Jahren formt sie Skulpturen aus Fasern und Garnen. Faith Ringgold entwickelte ab 1980 bemalte „Story Quilts“, in denen sie afroamerikanische Geschichte erzählt.

Performance-Künstlerinnen und Konzeptkunst

Yoko Ono führte 1964 in Tokio „Cut Piece“ auf. Das Publikum zerschnitt ihre Kleidung. Die Arbeit thematisierte Verletzlichkeit, Kontrolle und Vertrauen und wurde ein Schlüsselmoment der Fluxus-Bewegung. Marina Abramovic lotet in langen Performances die Grenzen körperlicher Belastbarkeit aus. 2010 saß sie 736 Stunden reglos auf einem Stuhl im MoMA. Besucher nahmen ihr gegenüber Platz. Carolee Schneemann machte den weiblichen Körper zum künstlerischen Medium. 1975 las sie in „Interior Scroll“ eine Papierrolle aus dem Körper vor. Valie Export konfrontierte 1968 Passanten in Wien mit „Tapp- und Tastkino“, einer tragbaren Kinobox über dem nackten Oberkörper. Judy Chicago arbeitete von 1974 bis 1979 mit über 400 Helferinnen an „The Dinner Party“. Diese Installation umfasst 39 handbemalte Keramikgedecke für historische Frauen.

Street-Art-Künstlerinnen und Graffiti-Künstlerinnen

Lady Pink sprühte ab 1979 farbstarke figurative Pieces auf New Yorker U-Bahn-Züge. 1983 spielte sie die Hauptrolle im Film „Wild Style“. Swoon klebte ab 2001 lebensgroße Papierschnitte auf Hauswände in Brooklyn. 2008 baute sie aus Treibholz ein Floß und fuhr nach Venedig. Miss Van begann 1991 in Toulouse mit Graffiti. Ihre puppenartigen Frauenfiguren brachten feminine Motive in die europäische Szene.

Zeitgenössische Malerinnen und Künstlerinnen der Gegenwart

Yayoi Kusama füllt Räume mit wiederholten Punkten und Spiegelinstallationen. Betrachter tauchen in Unendlichkeit ein. Sie lebt seit 1977 freiwillig in einer psychiatrischen Klinik in Tokio. 2023 eröffnete sie ihr eigenes Museum in Shinjuku. Marlene Dumas malt Gesichter und Körper in verwischten Aquarelltönen. Sie verbinden Intimität, Erotik und politische Gewalt. 2005 erzielte sie mit „The Visitor“ über 3 Millionen Euro bei Sotheby’s. Julie Mehretu überlagert Kartografie, Architekturzeichnungen und gestische Abstraktion in großformatigen Gemälden. 2019 schuf sie für das SFMOMA zwei Werke von je 8 mal 9 Metern. Cecily Brown verschmilzt figurative Fragmente mit abstrakter Farbmaterie. 2018 verkaufte sie „Suddenly Last Summer“ für 6,7 Millionen Dollar. Amy Sherald porträtiert Schwarze Menschen in frontalen Posen. 2018 malte sie das offizielle Porträt von Michelle Obama.

Njideka Akunyili Crosby kombiniert Fototransfer, Collage und Ölmalerei. Ihre Werke zeigen Szenen zwischen Nigeria und den USA. 2017 erzielte ein Werk bei Christie’s 3,1 Millionen Dollar, zuvor geschätzt auf 30.000. Nan Goldin dokumentierte das Leben queerer Communities, Drogenabhängigkeit und Verlust. 1986 veröffentlichte sie „The Ballad of Sexual Dependency“. 2018 setzte sie mit P.A.I.N. durch, dass Museen Sackler-Sponsoring beendeten. Cindy Sherman schlüpft in Fotografien in weibliche Rollenbilder. 2011 verkaufte sie „Untitled #96“ für 3,89 Millionen Dollar. Shirin Neshat verhandelt Geschlechterrollen, Exil und Widerstand im Iran. 2009 gewann sie den Silbernen Löwen in Venedig. Paula Rego zeigt Macht, Gewalt und weibliche Widerständigkeit. Betty Woodman erweiterte Keramik zu raumgreifenden Skulpturen. Lygia Clark entwickelte ab 1963 faltbare Metallobjekte und sensorische Installationen.

Pop Art, Avantgarde und berühmte Zeichnerinnen

Natalia Goncharova verarbeitete russische Volkskunst, Ikonen und futuristische Dynamik. 1913 zeigte sie in Moskau über 800 Werke – die größte Soloschau eines lebenden Künstlers bisher. Georgia O’Keeffe malte Blüten, Tierschädel und Wüstenlandschaften in stark vergrößerten Nahaufnahmen. 1970 erhielt sie als erste Frau eine Retrospektive im Whitney Museum. Tamara de Lempicka malte glamouröse Art-Déco-Porträts. Sie lebte offen bisexuell. Trude Petri entwarf 1931 das Geschirrservice „Urbino“ in funktionaler Formensprache. Maria Helena Vieira da Silva malte labyrinthartige Raumgeflechte und erhielt 1966 den Grand Prix National des Arts.

Warum berühmte Künstlerinnen mehr Sichtbarkeit brauchen

Geringe Präsenz in Museen und Auktionshäusern

2019 stammten nur 11 Prozent aller Ankäufe großer US-Museen von Künstlerinnen. 2022 machten Werke von Frauen lediglich 3,3 Prozent des Auktionsumsatzes aus. Viele talentierte Künstlerinnen wurden über Jahrzehnte vergessen. Hilma af Klint wartete über 70 Jahre auf ihre Wiederentdeckung. Camille Claudel wurde zu Lebzeiten aus dem Betrieb verdrängt. Fehlende Fördergelder, geringe Galerievertretung und späte Museumsankäufe wiederholen sich bis heute.

Künstlerinnen prägen die Kunstgeschichte

Die vorgestellten Malerinnen, Bildhauerinnen und Performance-Künstlerinnen zeigen: Frauenkunst ist kein Nebenfach. Sofonisba Anguissola wurde 1559 an den spanischen Hof berufen. Yayoi Kusama eröffnete 2023 ihr eigenes Museum in Tokio. Dazwischen haben Künstlerinnen Gattungen begründet, Techniken erfunden und Institutionen verändert. Ihre Anerkennung ist keine Nachträglichkeit, sondern eine notwendige Korrektur der Kunstgeschichte.